《重奏曲〈戏曲两折〉》基层巡演奏响“第七届关中忙罢艺术节”

仲夏的关中平原，风中夹带麦浪中的热气。在“第七届关中忙罢艺术节”中，国家艺术基金2025年度舞台项目《重奏曲〈戏曲两折〉》的首场基层巡演，于7月6日由中提琴艺术家，西安音乐学院科研处处长王恪居领衔，学院管弦系副教授郭红豆、青年教师宋瑾等人参与本场音乐会演出。


人们常说，戏曲是“活着的博物馆”，它积淀了几百年的人情、身段与呼吸。《戏曲两折》用中提琴和打击乐，把这份古老的身体语言变成声音，让青衣的含蓄、武生的力量，都能被听见而不是只被看见。这不是简单模仿或拼贴，而是一次深入骨子里的提炼：用抽象的音响，重新塑造戏曲的内在精神，把那些隐藏在动作背后的力量，搬到听众的耳朵和心里。



第一折“川剧青衣”，在中提琴低沉而含蓄的弓弦中，一种婉转柔肠、行云流水的线条感缓缓展开。相比西方中提琴演奏中偏重线条连贯与音色厚度，这里更强调“呼吸”与“身段”的声、形效果。青衣的程式动作讲究“移步不换形”，中提琴透过弓法的微妙控制、断句中的“留白”，体现出含蓄克制而又暗含张力的美学逻辑。这不是写实的模仿，而是一种“声—势”同构的艺术语言，传递出青衣身段中那种缓慢却内在流动的时间性。

第二折“京剧武生”，几乎转向了完全相反的美学意图：强调速度、爆发力和形体感的断裂。中提琴此时的演奏逻辑已近似打击乐化，旋律材料被片段化、节奏骨架化，演奏者需迅速切换重音方向与力感，就像武生在舞台上的“翻打”与“亮相”。打击乐此处并不是简单的伴奏功能，而是承担了“武场”的戏剧空间再造。每一次鼓点都像是一段身法的落点，强化了乐曲的纵向节奏结构，给中提琴的线条增加了空间深度。

从社会学视角看，这部作品提出了一个重要问题：当代音乐如何在全新的文化环境中延续传统而不是复制传统？《戏曲两折》里，传统的戏曲声腔并未被简单借用，而是被抽象化为内部的逻辑关系：板腔体的节奏层级、角色的内外冲突、以及场面调度的程序性。这种抽象不仅是一种作曲技法的探索，也是一种关于“文化自我认同”的哲学思考。

从音乐美学层面讲，这并不是一件“易听”的作品，作品的戏剧性并非靠旋律叙事或情感宣泄建立，而是依靠结构逻辑和表演动作的暗示性建构出一种陌生感、张力与断裂感，这恰恰是当代音乐中值得珍视的“感性秩序”探索。郭文景教授在原作中以中提琴代入传统唱腔，已是一次“声的移植”；而项目负责团队在二次编配中加入打击乐，进一步将乐器功能解构化，使得中提琴与打击乐不再是“主—从”关系，而是平行的戏剧角色，这种平行性在中国传统戏曲中也早有根源：文场与武场、虚与实、唱与做，彼此对立而又互相生发。

在这场乡村公益演出中，这样一部作品不仅仅是一场文化惠民活动，它更多地起到了“文化张力的再教育”功能。传统文化在乡土社会并非符号，而是活生生的社会实践；而现代器乐，往往被看作学院化、精英化的表达体系。《戏曲两折》通过器乐重奏的方式，将这两种看似不可调和的艺术机制重新揉合，让听众重新意识到：传统并不是过去式，而是可以被不断再造、再解释的活体经验。

综上，这部作品不是要再现戏曲舞台的“写实”，而是要提炼戏曲里的精神动力学，将“形”与“意”拆解到声音的根部，让观众在抽象的器乐世界里重新感知到身体、节奏与呼吸之间那种微妙的张力。这场演出所追求的，是将一个更深的命题——“当代社会里，我们如何听见自己的文化，如何与它相处”——通过一次次微妙的音响选择，抛给了每一个观众。这场演出中所选择的现代中国作品，不是流行消费品，演奏者们在关中的田野与人群中，更显出一份冷静而笃实的精神力量。

忙罢会耍的花哨